MOON. 2009, Duncan Jones

Hacía mucho que no veía una película de verdadera ciencia ficción y no de fantasía en donde prima el guión y la interpretación de sus protagonistas y los efectos especiales sirven para ambientar la historia y no ser el fin mismo del flim. Escuchar una buena banda sonora que apoya el buen ritmo de la historia, gran fotografía, bonito prologo y créditos iniciales, pero...

En mi opinión falla en su base. Pese a sus pretensiones y cuidada producción, la historia que cuenta resulta inverosímil, lírica aunque fallida. El mismo argumento resulta muy pobre en sus detalles para explicar y hacer avanzar la narración. La actuación del protagonista, el ritmo, la belleza de ciertas imágenes se pierden al descubrir la tontería sobre la que se mantiene la película.

En un futuro no muy lejano se mantienen bases mineras en la luna, automatizadas y sostenidas por máquinas e inteligencias artificiales, pero supervisadas por seres humanos que resultan ser clones. Clones completos de una persona real que conservan todas sus características y libre albedrío aunque con una caducidad de tres años.

Y cuyo control sobre los mismos se limita a hacerles creer que son mineros aislados por problemas técnicos, aunque equipado por todas las herramientas que necesitaría un minero real y libre para moverse y comunicarse donde quiera y que por supuesto el protagonista usa sin complicaciones. La tensión de la trama gira en torno al descubrimiento de uno de estos clones de la realidad de su existencia y como, con la ayuda de su siguiente sustituto (el mismo como era tres años antes) y su robot asistente que le sirve a él pero no a la empresa que lo ha programado, logra comunicarse con la Tierra y destapar el escandalo del uso de clones esclavos.

Con todo esto, solo nos queda una gran interpretación de Sam Rockwell, todo el trabajo de producción y artístico y unas buenas intenciones que necesitan algo más que influencias de 2001, Naves Misteriosas y unos efectos especiales artesanales y estética retro.

Dirección: Duncan Jones. País: Reino Unido. Año: 2009. Duración: 97 min. Género: Ciencia-ficción, drama. Interpretación: Sam Rockwell (Sam Bell), Kevin Spacey (voz de Gerty), Dominique McElligott (Tess Bell), Kaya Scodelario (Eve Bell), Benedict Wong (Thompson), Matt Berry, Malcolm Stewart. Guión: Nathan Parker; basado en un argumento de Duncan Jones. Producción: Stuart Fenegan y Trudie Styler. Música: Clint Mansell. Fotografía:Gary Shaw. Montaje: Nicolas Gaster. Diseño de producción: Tony Noble. Vestuario: Jane Petrie. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

CHRISTINE SPENGLER

Gracias a Pedro por hacerme llegar el video.
Fue un placer conocer y asistir a Christine Spengler durante el festival, quizás fuera el plato fuerte del mismo, para mi una de las mejores experiencias junto a la actuación de Maika Makovski y el resto de los invitados a los que desde aquí saludo e iré reseñando en breve en mi otros blogs.

DESPIERTA TU MENTE. "Simon dice"...

Juego parecido al clásico "Simón dice", donde el jugador debe repetir la secuencia de sonidos relacionados con los colores de los botones del juego. En este caso, son los sonidos característicos de los animales de granja respecto a sus propias figuras que aparecen en las cajas de suministros del catamarán polinesio para el barco de exploración europeo.

Este juego es un homenaje al capitán James Cook (1728 1779), uno de los grandes exploradores occidentales que recorrió el Pacífico en tres largos viajes para su cartografía y cumplir con varias observaciones astronómicas e investigaciones científicas de importancia. Además de paso supo dar con la forma definitiva de controlar el escorbuto. Una enfermedad mortal que aquejaba a los marinos en alta mar por la falta de alimentos frescos, solucionada con la ingesta de vitamina C a través de cítricos.

Cook pasó a la historia como uno de los marinos más humanitarios con sus tripulantes en una época de disciplina brutal y siempre buscó un trato amistoso y honesto con los pueblos con los que contactó, sin presentarse nunca como un ser superior o un conquistador, no tenía ese punto de vista sobre sí mismo ni esa era su misión.

Buscando el continente austral que se creía por entonces que existía en el Pacifico Sur (en su lugar encontraría lo que ahora son Australia, Tasmania y Nueva Zelanda, Hawai...), entró en contacto con la civilización polinesia, de la que se supo ganar su aprecio, aún despues de su muerte.

Su final fue trágico, parece ser que durante sus últimos años de vida, sufrió una enfermedad que alteró su comportamiento, agriándose.
A causa del robo de uno de sus botes por parte de unos hawaianos, Cook exageró su respuesta y como represalia pretendió tomar como rehén al mismo rey de Hawai, lo que enajenó a los isleños y tras un tiroteo en una playa murió violentamente.

De la multitud de libros, series y documentales sobre su vida y obra, recomiendo la lectura de El capitán Cook, de Vanessa Collingridge, en donde la autora, descendiente de un artista y cartógrafo del siglo XIX que rebatió el mito de Cook como descubridor de (y fundador de la británica) Australia, cuando los indicios siempre apuntaron el merito para los portugueses (tampoco estando el continente totalmente aislado, pues en el norte, tribus de aborígenes comerciaban con los indonesios antes del siglo XVI).
En este libro se nos muestra una biografía completa del marino, desde sus inicios humildes, sus viajes y sus relaciones profesionales y personales así como su poco conocido drama familiar.

Nos dá un retrato ameno y entrañable sin dejar de ser crítico y parece que bien documentado. Su éxito editorial generó una adaptación televisiva de la obra.

Volviendo al juego, exceptuando casi toda la vegetación del fondo y lo mismo del aparejo del barco y del mar, he realizado una composición propia. Propia al maquetar y ajustar estos elementos prestados de otros juegos de mis compañeros sobre un boceto previo y personal, en la que luego compuse el resto de elementos, nuevos.

Creé a los personajes a partir de referencias graficas sobre el tema. El capitán del barco, el oficial de la derecha con el uniforme completo, es una caricatura del mismo Cook. Los personajes visten con uniformes de la marina británica de la época así como los mismos maories visten como tales, sin fantasias, aunque los remeros del catamarán lucen tatuajes más sencillos que los reales (ellos, diseñados a partir de unas figuras del juego de la cole de mates en el Méjico Maya). El barco no responde a un modelo concreto, aunque me basé en el diseño del HMB Endeavour, simplificandolo.

Pero la referencia visual inicial que tuve para crear una composición dinámica y de ambiente que fuera la correcta para el juego fue la escena del flim Master and Commander, the far side of the world (2003, Peter Weir), en la que los protagonistas hacen escala en Brasil y son atentidos en la costa por comerciantes portugueses e indigenas.

Todo esto para dar con una ambientación apropiada para el juego, ambientada en los viajes y descubrimientos marinos del siglo XVIII, contemporizando a la vez con la imágen ultimamente tan en boga de una versión idealizada de la pirateria para los cuentos y películas de aventuras infantiles.

Corel Draw y Flash.

NATASHA SHNEIDER (1956 2008)

Me pasó desapercibido porque realmente no sabia quien era, pero leyendo como no, el Popu, me enteré de la existencia de los Eleven, una banda muy ligada a los orígenes de los Red Hot Chilli Peppers y al grunge y stoner rock.

La teclista y cantante del grupo, Natasha Shneider, resultó ser una emigrante soviética instalada en los EEUU que en los ochentas, actuó como actriz en el flim 2010 y en las series Corrupción en Miami y Canción Triste de Hill Street entre otras.
Apariciones que recuerdo pues su belleza me era muy atractiva. Yo era un crío flipado por las series policiacas y la ciencia ficción, como ahora, y los personajes que interpretaba la Shneider, aportaban exactamente eso a las tramas, la belleza y exotismo del otro lado del muro.

Hace poco descubrí su carrera musical y su importante aportación a las bandas del género de rock por mí ahora más querido (jevi aparte).

Por eso le dedico esta entrada a una gran mujer.


Eleven
Natasha ShneiderMemorial Fund
Mundo Eleven

I took the time to get to Beverly
Laid some rocket tape roll on the 180
Allen and natasha always make me say,
I really wannabe in L.A

11 de septiembre de 2001.

Cuando los atentados estaba en casa de vacaciones, dibujando mientras escuchaba el programa del Trecet de música étnica en RNE que presentaba por entonces. Para el cambio de programa, a su inicio creo, acababa de estrellarse el primer avión, la indignación del locutor expresaba que algo realmente grave estaba sucediendo. Salí corriendo a encender la tele solo para poder ver el terrible atentado.

El programa de radio reseñó a los Ghimes, una banda folk húngara. Esta canción no la había vuelto a oír desde entonces hasta que recordé el título la semana pasada.

Sirva como un homenaje muy personal a las victimas de ese día.

LYDIA LUNCH. GHOSTS OF SPAIN. Es Baluard, Palma 7 agosto 2009

Madre del punk estadounidense, más de treinta años de carrera y representante vivo del underground neoyorquino. Lydia Lunch, actriz, escritora, poeta y cantante, afincada en Barcelona en ese momento, recaló la noche del viernes ocho para ofrecer un espectáculo multimedia poético, en el que desgranó crítica política, rabia, sexo, drogas y muerte. Acompañada de una chica que hacia las labores de traductora, dándole la réplica en castellano para completar la performance, ante un público variado, dado el espectáculo gratuito.

Aunque tenía muchas ganas de verla actuar, después de la gran sorpresa al saber que lo haría en casa, su actuación, aunque variada y dinámica, con alguna canción formal incluida, no dejaba de ser más que un recital. Lleno de mala leche y muy respetable como obra artística, pero del que me fue fácil abstraerme, pensando entre otras cosas, como nos las apañaríamos los asistentes y empleados si tuvieramos que fortificarnos en el museo ante el ataque de, no sé, una invasión zombie...

Como siempre en estos eventos, también es interesante fijarse en el sitio, el ambiente y el público.

Al estar situado junto a un lateral del escenario, a pocos metros de la artista, tenia casi enfrente a todo el público, en el patio de armas del baluarte renacentista en que se encuentra el polémico museo. Podía ver a los cámaras y fotógrafos que cubrían la representación moverse de un lado para otro, desde el público o en la muralla misma, las idas y venidas de algunos asistentes despistados, los gestos de algún fan que quería demostrar su apoyo a las palabras de la Lunch o hacerse notar, la atención concentrada de la mayoría, el desfile de modernos y chicas atractivas, las miradas de control de los técnicos porque me vieron acercarme demasiado, pensando que quizás me iba a dirigir a ellos o a saltar sobre el escenario.

Fue una noche agradable que acompañó al espectáculo como se merecía. Una noche de verano más que digna.

Bonito cartel de una actuación de Lunch, una idea que lanzo a los responsables de cualquier museo y sala de exposiciones, organizar una retrospectiva sobre el cartelismo underground y rockero. Arte popular de finales del siglo pasado, fuente para la modernidad, esta una vanguardia en el fondo, siempre pasada de moda.
Al contrario de lo representado en el cartel y el mismo.

Web de Lydia Lunch

Es Baluard Lugar de la actuación, con su propia reseña.

Teenage Jesus and the Jerks, Orphans video Una muestra de su pasado como reina del trash neoyorquino, punk rock del bueno.

Lydia Lunch's blowjob Un acto perpetrado junto a:

Richard Kern en la dirección, que no en la función. Los años locos de la genial, según sus propias palabras.





Ale, y de regalo más provocación, de hecho conocí la obra de Lydia Lunch a través de los cortos de Kern y algún recopilatorio de bandas góticas, muy recomendables:

VACACIONES DE FERRAGOSTO

Amable, divertida y entretenida. Para pasar un buen rato pero poco más. Un ejemplo de cine hiperrealista o naturalista, sin las trampas e hipocresías del Dogma pero nada más.

Gianni es un sesentón hijo único que vive con su madre viuda, una familia venida a menos, en un piso del Trastevere romano. Acumulan deudas pues Giovanni dejó de trabajar para ocuparse de su muy anciana mamá. Un día, su casero le ofrece perdonarle parte de sus deudas a cambio de que cuide a su propia mamma, mientras se va de vacaciones durante las fiestas del 15 de agosto.
La situación se dispara y Giovanni, a cambio de las propinas y favores, acaba cuidando además a la tía del casero y a la madre de un médico amigo suyo que está de guardia convirtiendo su piso en un geriátrico.

El argumento es una simple anécdota y aparte de algunos detalles, durante la película no pasa realmente nada, pero es graciosa y conocemos algo del ambiente propio de Roma, lejos de su monumental reflejo en el cine. A favor o en contra, según lo que hayamos vivido, también juega la familiridad de las situaciones y personajes.

Yo estuve tentado de no ir a verla, pero aprovechando un descuento en la entrada, esta valió la pena.


http://www.pranzodiferragosto.it/

Dirección: Gianni Di Gregorio. País: Italia. Año: 2008. Duración: 75 min. Género: Drama, comedia.
Interpretación: Gianni Di Gregorio (Gianni), Valeria De Franciscis (madre de Gianni), Marina Cacciotti (madre de Luigi), Maria Calìzia (Maria), Grazia Cesarini Sforza (Grazia), Alfonso Santagata (Alfonso), Luigi Marchetti (Vikingo), Marcello Ottolenghi (doctor).
Guión: Gianni Di Gregorio; basado en un argumento de Gianni Di Gregorio y Simone Riccardini.
Producción: Matteo Garrone. Música: Ratchev & Carratello. Fotografía: Gian Enrico Bianchi.
Montaje: Marco Spoletini. Dirección artística: Susanna Cascella. Vestuario: Silvia Polidori.
Estreno en Italia: 5 Septiembre 2008. Estreno en España: 22 Mayo 2009.

LA CARRETERA. Cormac McCarthy

Buscando información sobre Terminator Salvación, encontré una entrevista a su director en la que contaba como este explicaba que La Carretera le había servido de inspiración para enfocar la ambientación del flim, recomendadola leer a su reparto. Más tarde dando un paseo encontré en una tienda la novela en su edición de bolsillo, recién salida a la venta y esa misma noche ya la había leído completamente de un tirón. Un poco más tarde supe que se estaba preparando su versión para el cine. Todo esto en un solo viernes.

Absorbente, la novela es una historia sencilla pero muy bien contada y con ritmo, sugerente que deja con ganas de leer más y que no te quitas de la cabeza durante días.

Junto con La Tierra Permanece, de George R. Stewart, y El mundo sin nosostros, de Alan Weisman podemos formar un tríptico de la imágen de como nos imaginamos el fin de nuestro mundo, continuando la vieja tradición escatológica que hemos heredado de los antiguos judíos.

Estemos atentos, porque el fin de las civilizaciones suele coincidir en la forma de la misma manera que sus componentes pensaban.





Viggo Mortensen y Kodi Smith-McPhee, protagonistas de la adaptación al cine, en su fase de postproducción en el momento de publicar este comentario , dirigidos por John Hillcoat y guionizados por Joe Penhall.



Cormac McCarthy, E.E.U.U. 1933, hijo de un prestigioso abogado, no completó sus estudios y después de su paso por la fuerza aérea comenzó su carrera literaria, viviendo una vida humilde, sosteniendose en principio gracias a las becas por estudios. Después de viajar por Europa y superar varios matrimonios consigue el reconocimiento gracias al éxito de su Trilogía de la frontera, en la década de los noventa. En 2005 publica No es país para viejos, que es adaptada al cine por los Coen en 2007 (reseñada en: http://javierliebanaescribidor.blogspot.com/2008/03/tommy-lee-jones-y-josh-brolin.html), cosechando un gran éxito a todos los niveles. Con La carretera, gana el Pulitzer ese mismo año.

STAR TREK XII

Según algunos rumores o no, la próxima entrega de la saga recuperará a Shatner como Kirk, viajando en el tiempo en busca de Spock, teniendo como a oponente a Khan (para algunos Angelina Jolie en el papel, una forma de rellenar el escote que en su día lució Ricardo Montalban caracterizado de Tina Turner). Quizás escuchemos a dos voces, la de Kirk joven con el original, una de las más famosas y fáciles de recordar citas de la serie:

TERMINATOR SALVATION

La nueva entrega de la franquicia ha resultado ser, como lo eran las anteriores, otro ejemplo de cine de consumo y entretenimiento con algo de calidad.

La primera parte como todos sabemos, basó su éxito en una historia de acción muy atractiva y bien resuelta en todos los campos, un ejemplo de que la serie B a veces solo etiqueta a un cine con un presupuesto concreto y no su calidad. La segunda parte era solo una versión actualizada de la primera que incluía alguna vuelta de tuerca argumental. Lo mismo que la tercera, para mí injustamente denostada, pues aunque repite los aciertos y errores de las primeras partes, solo adolece de un mal montaje, de falta de ritmo. A cambio, sabe reírse de sí misma y presenta situaciones y personajes que aunque son familiares a la saga no se presentan de la forma esperada. Es un segundo remake de la original, pero, por fin, hace avanzar la historia hasta el mundo apocalíptico de la guerra contra la máquina.

La historia de un John Connor en plena crisis personal que aparentemente ha salvado el mundo, pero al no convertirse en el líder futurista que esparaba ser, vaga por el país convertido en un deprimido inadaptado que va descubriendo como, a fin de cuentas, el destino de la humanidad es invariable y termina asumiendo su verdadera naturaleza.


Otra variante del cuento del mesías, tan bien descrito en el artículo de Norman Spinrad
"El emperador de todas las cosas".

Terminator Salvation aparte de su puesta en escena, despliegue artístico y técnico, repite los mismos errores de toda la saga. La historia ya está contada, John Connor manda a su padre al pasado para que le engendre y así pueda llegar a ser el líder que lleve a la humanidad a la victoria sobre las máquinas rebeldes que la han destruido. Sabemos como es el futuro, sabemos que los buenos ganan. Ya está, no hace falta contar más, sobran tres películas.
Da igual que no salga Schwarzenegger, que el reparto no haga una demostración de arte dramático o que algunas escenas tengan un montaje más saltarín o alargado que en una película de Robert Rodriguez.

Para mí lo interesante de esta nueva entrega es como le han dado verosimilitud a ese futuro apocaliptico. Si, no es gran cosa, pero prefiero fijarme en los aspectos positivos, pues mierda hay en caso todas partes.

Porque un conflicto, del tipo que sea, nunca se desarrolla ni se resuelve como una partida del RISK, me explico:

En esta peli, más parecida a un capítulo píloto de una serie de la tele, vemos todavía a un John Connor casi anónimo que aún debe labrarse la carrera de salvador de la humanidad. Integrado en la Resistencia, solo ascenderá, como en muchas guerras, gracias a las bajas de sus superiores en combate.

La misma Resistencia es un ejercito bien organizado y disciplinado que aún mantiene restos de las fuerzas aereas y marinas y que hasta el momento de la acción, aunque a la defensiva despues del ataque másivo que casi extingue a la humanidad, mantiene a raya a Skynet.

Aparentemente, esto se puede explicar, no solo por lo visto en los capítulos anteriores, en los que vemos a la Resistencia luchando abiertamente y derrotando a Skynet, si no también porque para que Skynet llege a ser el imperio de frio y vil metal que asola el mundo, necesita de un despliegue planetario y de un ferreo control de los recursos, nunca mejor dicho ;).

En un principio, como vemos en la tercera parte, Skynet solo controla los sistemas informáticos de toda clase de todos los países y del laboratorio norteamericano en el que ha sido creado, incluyendo a un puñado de prototipos de terminator (así descubrimos que toda la tecnología de Skynet es un invento humano, redundando en la idea de que las máquinas creadas por el hombre lo destruyen).

Un PC o un McIntosh por si solo no puede tomar el control de una ciudad, una fabrica o de una mina o de una refineria mientras expulsa a los restos, muy combativos, de los ejercitos humanos de esos sitios. Ni puede poner en marcha toda la cadena industrial necesaria para sostenerse y a la vez exterminar a la humanidad. Una humanidad todavia lo suficientemente numerosa equipada y decidida que obliga a Skynet a crear un ejercito de ciborgs que se infiltren entre ellos para combatirlos y a una tecnología completamente nueva que permita los viajes temporales y la seguridad de que no falla en su plan de exterminio, un plan que parece justificado solamente por el ego exagerado paranoico y artificial de Skynet, si no ¿para qué destruirla?

Para eso se necesita tiempo, tiempo que aprovechan los humanos para organizarse y contraatacar. Claramente el bombardeo atómico no ha sido tan destructivo y las limitaciones de las máquinas permiten reunir e instruir nuevas tropas, ocupar refugios y mantener algunas infraestructuras y armamento pesado propios para poner a salvo a los supervivientes.


Otro punto a favor de la película, es que ha servido para que conozca y lea La Carretera, de Cormac McCarthy, una de las fuentes del guión que el director recomendó al reparto para que se introdujera mejor en el ambiente, haciendo esto publico en alguna entrevista que fue reseñada en internet (donde habita Skynet). Ganadora del Pulitzer de 2007, recrea un mundo apocaliptico en el que los protagonistas buscan refugio, esquivando bandas de canibales y otros problemas y del que hay una adaptación cinematográfica protagonizada por Viggo Mortensen.



Quizás un fake del personaje interpretado por la Bonham Carter. Se suponía que esta iba a ser su imagen en el flim, en alguna escena, como lugarteniente de Skynet. Una sorpresa para el público que revelaría los nuevos planes de Skynet para la humanidad, según insinuaba la Wikipedia y el mismo prólogo de la peli (una científica que investiga para Ciberdine una cura para el cáncer. Si Ciberdine, madre de Skynet, la empresa que desarrolla inteligencias artificiales y androides emplea a alguien que desea curarse a sí misma y a la humanidad...), pero su actuación ha resultado ser casi anecdótica. Por otra parte podría ser un descarte del guión original. El drama personal de la actriz, al perder a parte de su familia en un accidente de tráfico pudo hacer variar el guión definitivo y la implicación de la misma, lo que al menos en parte también explicaría el torpe montaje de la película.



Un acierto del flim está en el apartado artístico, impecable en estos casos. Una producción muy cuidada que con un mejor guión nos podría haber servido un buena historia de terror/supervivencia al estilo Romero. Lo digo por la apariencia de los T 600 como zombis tecnológicos, portando los restos del disfraz humano y la fatiga de combate, luchando aunque esten despedazados, haciendolos más verosímiles. Como en la escena inicial del asalto aereo a la base de comunicaciones de Skynet, toda la secuencia hasta que John Connor destruye in extremis al terminator que trata de matarlo en el helicoptero es genial, lo mejor de la peli con mucha diferencia.


De propina, un par de vídeos interesantes sobre el tema:





Título original: Terminator Salvation. Nacionalidad: Estados Unidos.
Año: 2009 Duración: 115 min. Dirección: McG. Guión: John D. Brancato Michael Ferris.
Fotografía: Shane Hurlbut. Música: Danny Elfman.
Intérpretes: Sam Worthington (Marcus Wright); Christian Bale (John Connor); Moon Bloodgood (Blair Williams); Anton Yelchin (Kyle Reese); Bryce Dallas Howad (Kale Connor); Helena Bonham Carter (Dra. Serena Kogan).